【ネタバレ】『崖の上のポニョ』は「死後の世界」なのか考察！都市伝説や登場キャラの謎の行動の解説も

『崖の上のポニョ』は死後の世界を描いているのか。2008年公開のスタジオジブリ作品をめぐるこの都市伝説を、根拠と反証の両面から考察します。フジモトやグランマンマーレの正体、ラストの意味もあわせて解説。 5歳の男の子・宗介(そうすけ)が、さかなの子であるポニョを助けたことから物語はスタートします。ポニョは宗介に恋をし、人間の世界で一緒に暮らし始めることから、ポニョがいるべき海の世界は大混乱。そしてポニョを連れ戻そうと、人間の世界に大洪水を起こします。果たして宗介とポニョの運命はいかに……？ そんな『崖の上のポニョ』は、実は都市伝説が囁かれていたり、裏話が多く隠されていたり……と複雑な作品でもあるのです。この記事では、それらを紹介しながら、本作について徹底解説していきます！ ※この記事は『崖の上のポニョ』の重大なネタバレを含みます。

『崖の上のポニョ』は死の世界を描いていて、ポニョは死神……。そんな都市伝説を聞いたことはありませんか？ジブリ作品には都市伝説がつきものですが、あんな可愛らしいポニョが死神だとはにわかに信じられませんよね。 まずはなぜこのような都市伝説が生まれたのか、その理由を徹底解説します。

「『崖の上のポニョ』は死後の世界を描いているのではないか？」そんな都市伝説の1つ目の理由は、以下のようなシーンから生まれたものと思われます。 物語の途中、津波が宗介の住む町を襲いますが、住民たちは無事生還。さらには老人ホームの座ったままの老人たちの足が急に動くようになったり、水の中で呼吸ができるようになります。これを大人は誰一人不思議に思わないのです。一方で宗介は不思議に思いますが、宗介の母は「今は不思議なことがいっぱい起きているけど、後で理解することができる」と意味深な言葉を残しています。 この台詞の理由は「全員がもともと死んでいるからではないか」と憶測されています。まだその事を知らないのは宗介だけであり、成長して気がつくことを想定してリサはそう伝えたのではないでしょうか。

ジブリ作品では『千と千尋の神隠し』の「現世と神様の湯屋の世界を繋ぐトンネル」や『となりのトトロ』の「トトロの世界に繋がるトンネル」など様々な意味を持ったトンネルが登場します。 そして『崖の上のポニョ』にもトンネルが存在します。ポニョがそのトンネルを通る時に嫌がったことや、人間の女の子になりかけていたポニョがさかなに戻ってしまったことから、本作のトンネルにも何か意味があるのではないか、と言われているのです。 こうして「現世とあの世を繋ぐトンネル説」が誕生しました。

例のトンネルがあの世への道だとすれば、そこを通り抜けた宗介はすでに亡くなっていると推測できます。また、トンネルの入口には地蔵が。日本では地蔵は道祖神(どうそじん)として岐路に置かれ、子どもを守る菩薩としてよく知られています。 「トンネルを抜けて死んでしまった宗介の魂を救済する」という意味で、地蔵が置かれていたのであれば、トンネルとあの世との関係性はさらに真実味を増します。

宗介とポニョは、ボートで漂っている家族と出会います。そこには赤ちゃんの姿も。そして、この家族が大正時代の人たちであることがパンフレットによって明らかになっています。このことから、彼らは亡くなってから長い間成仏できずに、彷徨っているのではないかと囁かれるように。 また、町がまるで津波などなかったかのように、美しい状態で海底に沈んでいるように見えます。難を逃れたのか、船に乗っている人々も元気で明るい感じ……。これは一体どういうことなのでしょうか。 この船に乗った人々は、もしかするとすでに亡くなっていて、霊魂となってまさに今、三途の川を渡っている最中だとも考えられます。

また、この都市伝説を裏付けるような台詞にも注目が集まっています。まずは、船に乗っている耕一(宗介の父)と船長の言葉を紹介します。 耕一は一度、“船の墓場”に辿り着いたことがあります。この船の墓場というのは辿り着いたら最後、戻ってこられない場所なのです。ですが耕一は戻ってきて、さらには「観音様に助けられた」と言っています。 その後、津波で流された船も船の墓場に辿り着き、船長が「船の墓場だ。あの世の扉が開いてしまったんだ。」と意味深な言葉を残しているのです。

ジブリの音楽を担当している久石譲ですが、彼はインタビューの中で、「死後の世界や輪廻転生などの難しいテーマを投げかけながらも、子どもからは少年の冒険の物語に見える、という二重の構造を表現するのが難しかった」と意味深なコメントを残しています。 死後の世界や輪廻、魂の不滅などを考えて曲を作るなんて普通ではまず考えられません。その事から、この『崖の上のポニョ』は死後の世界ではないかと言われているのです。 あんな可愛らしい歌の背景にはこんなにも深いメッセージが込められていた、と考えるとまた捉え方も変わってきそうですね。

ここまで死後の世界説の根拠を紹介してきましたが、スタジオジブリや宮崎駿が『崖の上のポニョ』を「死後の世界を描いた作品」と公式に認めた事実は確認できません。先に紹介した久石譲のコメントも音楽を担当した立場からの受け止めであり、作品の設定として公式に示されたものではないのです。あくまで、ファンのあいだで語り継がれてきた解釈のひとつといえます。 むしろ公式が発信してきた情報をたどると、この説とは反対の方向を向いた手がかりがいくつも見つかります。ここからは、死後の世界説に対する反証として挙げられるポイントを整理していきましょう。

本作のキャッチコピーとして掲げられたのは「生まれてきてよかった。」という言葉でした。死を連想させるどころか、生まれてきたことそのものを肯定するフレーズです。 宮崎駿は公開初日の舞台あいさつで、スタジオのスタッフやその子どもたちを見ながら本作を作ったこと、新しく生まれてくる子どもたちに向けた作品にしたかったことを語っています。出発点にあるのは死ではなく、これから生きていく子どもへのまなざしだと考えられます。

主題歌「崖の上のポニョ」は、本編の公開より半年以上早い2007年12月に先行発売されました。その発表会見で宮崎駿は、明るい主題歌がエンディングで流れても気持ちにギャップが生まれないような、ハッピーエンドを描く責任があるという趣旨の発言を残しています。 実際に物語の終盤では、グランマンマーレが宗介の気持ちとポニョの意思を確かめたうえで魔法をかけ、フジモトも改心して宗介に娘を託します。登場人物が救われないまま終わる死後の世界というより、きちんと決着のついたおとぎ話として閉じられているのです。

死後の世界説でよく持ち出される「ひまわりの家の老人たちが立ち上がって歩き出す」場面も、作品の設定に沿って読むことができます。町を水没させたのは、ポニョが解き放った「生命の水」の魔法でした。その力が世界に満ちた結果として、海に沈んだはずのひまわりの家で人々が息をし、車椅子の老人たちが自由に動けるようになったと考えれば筋は通ります。 実際、終盤ではトキがフジモトの企みを見抜き、騙されてはいけないと宗介に忠告します。ただ漂う霊魂ではなく、自分の意思で宗介を守ろうとする生きた人物として描かれているのです。 もちろん、これらは本編の描写からの解釈であり、公式が「死後の世界ではない」と明言したわけではありません。根拠と反証の両方を知ったうえで、自分なりの答えを出すのがこの作品の楽しみ方といえるでしょう。

都市伝説が囁かれている理由を紹介しましたが、中には納得できないものもあるはず。しかし、何が真実かわからない故に、都市伝説は面白いのです。信じるか信じないかはあなた次第です。 さて、ここからは本作にまつわるトリビアや裏話を紹介していきます。これらは『崖の上のポニョ』公式ホームページや、インタビューなどで明かされている情報なので、安心してくださいね。

娘であるポニョが「悪い魔法使い」と呼ぶフジモトは、もともとは人間として暮らしていました。しかし、航海中にグランマンマーレと出会い、ふたりは夫婦に。既に人間の世界に辟易していたフジモトはそこで、人間をやめ、海の一族となることを選択したのでした。 そして、フジモトがひとりで子育てをしている理由は、「グランマンマーレが海なる母であるから」。彼女は他にも夫がおり、独り占めしてはいけないのだそうです。そのため、夫のうちのひとりであるフジモトは妻に頻繁に会えるわけではなく、娘たちの世話をしながら生命の水を抽出し続けているのです。

宗介が父親を「耕一」、母親を「リサ」と呼び捨てにしていることに、少し違和感を覚えますが、これは意図的なものだったようです。鈴木敏夫プロデューサーによれば、宮崎駿の設定では、母親のリサ自身が宗介を一個人として自立するように育てているためだとか。なかなか進歩的な母親像です。 そんなリサのアグレッシブな子育てに対しては、批判もありがち。特に5歳の宗介を家に置き去りにして行く場面には、母親として無責任なのでは？という意見も。 しかし、宗介を一個人として育てているリサならではの判断で、自分が勤める老人ホームの人々を心配して駆けつけたい気持ちと、宗介に家に残って「嵐の中の灯台」として、帰る場所を守っていてほしい思いがよく表れています。

公式ホームページによると、宮崎駿は『ハウルの動く城』の後、夏目漱石の書物を読み漁っていたそうです。そのときに、前期3部作である『三四郎』『それから』『門』でこの作品に影響を与える1冊と出会いました。それは『門』です。 『門』には、「崖の下の家」に住んでいる宗助が登場します。そして本作の主人公も「崖の上の家」に住んでいる事から、字は違いますが「宗介」となったのです。

作中には月が印象的に登場しています。公式ホームページによると、この月には3つの意味があるそう。まず1つ目は、世界や引力のバランスに強く関係する存在。地球のバランスが崩壊することによって、月が近づき、それによって引力のバランスが崩れ、海面上昇が起こってしまうのです。そうして、街は海に沈んでしまったのでした。 2つ目の意味は、女性を表しているそう。昔から月は女性の象徴であり、グランマンマーレが登場する夜にはいつも月の光に照らされていますよね。 3つ目は、月は人間の精神や生死に関係しているということ。満月の夜の自殺者の多さや精神の乱れは、月齢と潮汐の関係も関わっているそうです。これはやはり、『崖の上のポニョ』が生と死を描いていることの暗示なのでしょうか……。

本作品は監督である宮崎駿のインスピレーションを基に製作されているために、伏線はなくスピードと勢いで物語は進んでいきます。そのため天変地異が起こっても、なぜそうなったかの理由が解明されないので、モヤモヤしてしまう部分もあるかもしれません。 ストーリーと世界観が作りこまれ、伏線も張られている以前のジブリ映画を期待して鑑賞すると、肩透かしを食らってしまいます。しかしながら、「起承転結」という作り尽くされた流れで映画を作らず、ルールを知らない人も“わかる”映画を作りたかったと宮崎駿は語っており、ジブリ作品の中でも小さな子どもでも楽しめる作品と言えるでしょう。

大ヒットした主題歌「崖の上のポニョ」に乗せて流れるエンドロールは、普通のものとは違い、一風変わっています。本作に関わったスタッフ名が「このえいがをつくった人」として、50音順に役職や肩書きは一切なしで、その人物を表したアイコン付きで流れるのです。 ここにも、幼い子どもたちが観ることを前提にした心配りが！主題歌も短く、長い時間映画を観ていた子どもたちが飽きることなく、最後まで観られるように工夫しています。

この作品の主人公であるポニョの本名は「ブリュンヒルデ」といいます。ブリュンヒルデは、北欧神話やワーグナーの楽劇『ニーベルングの指環』に登場するワルキューレ(ヴァルキリー)のひとりです。ワルキューレは戦場で勝敗を左右し、戦死した者を主神オーディン(楽劇ではヴォータン)の館ヴァルハラへ導く役割を担っています。 楽劇でのブリュンヒルデは、9人いるワルキューレ姉妹の長姉として描かれる存在。死者を導く名を与えられていることから、ポニョは死神のような存在ではないかと語られるようになりました。 もっとも本編のポニョには百匹近い妹たちがおり、姉妹の長女という設定は名前の由来と重ねて楽しめる部分といえます。死神という位置づけは公式に示されたものではなく、名前から広がった読み解きのひとつです。

ジブリ映画『千と千尋の神隠し』は316.8億円という興行収入を記録し、長らく日本の歴代1位に君臨してきました。現在は劇場版『鬼滅の刃』シリーズに抜かれていますが、国内トップクラスの数字であることに変わりはありません。本作の興行収入は155億円で、観客動員は1200万人を超えています。 一方、米国での興行収入は実は本作の方が上。米国での『千と千尋の神隠し』が1000万ドルほどだったのに対し、『崖の上のポニョ』は約1500万ドルを記録しました。その理由としては、ジブリ映画史上最大級となる927館での一斉公開だったこと、リーアム・ニーソン、ケイト・ブランシェット、マット・デイモンといった人気俳優が吹き替えを担当して話題になったことなどが挙げられます。

宮崎駿は500日をかけて525枚の絵コンテを作成しました。絵コンテというのは映画の設計図であり、どのような映画でもカメラワークや役者の動きをみんなで共有するためのものですが、525枚になるほどの大量の絵コンテはなかなかありません。 これはスタッフ全員に宮崎駿が描く『崖の上のポニョ』のイメージを共有するためで、カラーで525枚の絵コンテを描いたとのことです。 さらには、本作ではCGが使われていないのを知っていましたか？これは「水グモもんもん」の水中表現や「やどさがし」の草木や風の表現など、ジブリ美術館で放映されていた数々の短編映画で培われた技術を、本作にも応用したために叶ったことだそう。ここにも作画へのこだわりが見られますね。

「ジブリ飯」は『崖の上のポニョ』にもちゃんと登場しています。それは、ポニョと宗介が食べていたアツアツのラーメン！いわゆる「ポニョラーメン」には、実はネギではなく、宮崎駿が好きな組み合わせである、ほうれん草がトッピングされる予定だったそう。 しかし、ほうれん草を描くのは思った以上に大変。(確かに、しなっとした状態のほうれん草を描くのは難しそうですね……。)そこで、ネギが描かれたのでした。

宮崎駿は、楽劇『ワルキューレ』をBGMとして流しながら『崖の上のポニョ』の構想を練っていました。『ワルキューレ』はワーグナーの楽劇『ニーベルングの指環』4部作の2作目にあたり、ポニョの本名であるブリュンヒルデが登場する作品でもあります。 劇中で流れる「ポニョの飛行」には、その第3幕への前奏曲「ワルキューレの騎行」を思わせる曲想が取り入れられています。同じ曲は『地獄の黙示録』(1979)のヘリコプターの場面や『ブルース・ブラザーズ』(1980)のカーチェイスでも使われており、映画とのつながりが深い1曲です。

ポニョは「人魚姫」からキリスト教色を除き、舞台を日本に置き換えた作品です。ただ、宮崎駿は意図的にベースにしたわけではないようです。しかし、子どもの頃に読んだアンデルセン童話『人魚姫』がポニョの発想のルーツだったと、ヴェネツィア国際映画祭の記者会見のインタビューで答えています。 人魚姫は魔法によって人間の姿になりますが、真実の愛を得られないために泡になって消えてしまいます。ポニョも、大好きな宗介のために人間になりたいと願い、同じように宗介の真実の愛が得られないと泡となって死んでしまうのです。 宮崎駿自身が「5歳の子どもが理解できればいい」と語り、企画の段階から幼い子どもたちの愛と冒険を描くと決まっていた本作。ポニョと宗介のお互いを強く思う気持ち、ごく単純な「大好き！」という気持ちが一番重要であり、世界を救うのは真実の愛だという“おとぎ話”が、本作のメインテーマなのかもしれません。

ラストでポニョが人間になれたのは、グランマンマーレが示した条件を満たしたからです。古い魔法でポニョを人間に変える代わりに、ポニョは魔法を捨てること。そして、宗介の気持ちが揺らがないこと。もし宗介の心が揺らげばポニョは泡になってしまうという、厳しい取り決めでした。 海底のひまわりの家で、グランマンマーレは宗介にポニョが魚の子だったとしても好きかどうかを確かめます。宗介がためらわずに答えたことで条件は満たされ、陸へ戻ったポニョは宗介のキスによって5歳の女の子になりました。世界に開いた大穴も、この瞬間に閉じられます。 派手などんでん返しはありませんが、5歳の子どもの「好き」という気持ちがそのまま世界を救う鍵になるという一点を、まっすぐ描き切ったのが本作の結末です。

宗介の母・リサをめぐっては、「実は途中で亡くなっているのでは」という説も語られています。嵐の中を猛スピードで走り抜ける運転や、宗介を家に残してひとりでひまわりの家へ向かう行動が、その根拠として挙げられがちです。 ただ、公式設定でのリサは25歳の生身の人間で、買い出しの大荷物を軽々と持ち上げるほどの力持ち。運転しながらサンドイッチを頬張るような無鉄砲さはあっても、それは死の暗示ではなく人物像として描かれた性格です。翌朝には海底のひまわりの家でグランマンマーレと並んで宗介たちを待っており、亡くなったと示す描写は本編にありません。 老人たちがリサを気づかうせりふも、我が子に大きな試練が課されたことを察しての言葉と読むのが自然でしょう。リサの死亡説もまた、公式の裏付けがあるものではなく、ファンのあいだで広がった読み解きのひとつです。

宮崎駿が本作について「誰もが意識下深くに持つ内なる海と、波立つ外なる海洋が通じあう。(中略)神経症と不安の時代に立ち向かおうというものである」と語った言葉から「精神世界を表現している」という説もあります。 ポニョを本能的(子ども)な役割、宗介が人間(大人)な役割と考えるのです。宮崎駿は「子どもが成長すると、ただのつまらない大人になる」という言葉を残しています。本作で最後にふたりが結ばれるのは、子どもらしさを大切にしてほしいという思いを込めているのかもしれません。 また、より科学的に「ポニョと宗介を介した脳の進化を本作は表現している」という考察もあります。

『崖の上のポニョ』の舞台のモデルとなったのは、広島県福山市の鞆の浦であることは有名です。鞆の浦は瀬戸内海に面する歴史ある港町で、宮崎駿は2004年にスタジオジブリの社員旅行で訪れています。 その際、趣あるこの港町をいたく気に入り、翌年には鞆の浦に2ヶ月間も滞在したといいます。その時住んでいたのが、海が見える崖の上の一軒家。まるで生きているように丁寧に描かれた本作の波の表現は、この海がインスピレーションをかき立てたようですね。

宮崎駿はスタジオジブリの公式ホームページで、『崖の上のポニョ』は“神経症と不安の時代”に立ち向かう作品であると語っています。「少年と少女、愛と責任、海と生命」など、人間の初源に属するものをためらわずに描いたそうです。 環境問題や燃料・食料問題、少子高齢化といった社会問題など、先行き不透明な時代だからこそ、「愛こそがすべて」ともいえる本作のシンプルなテーマは人々の心を揺さぶりました。 子どもたちが不安を抱いて生きるのではなく、「生まれてきてよかった」と思える世界観。それこそが、本作で描かれた“不安の救済”なのではないでしょうか。